Catherine Petitgas est collectionneuse, historienne d’art et grande spécialiste de l’art latino-américain. C’est la première fois que sa collection est montrée dans un cadre institutionnel. Une centaine de pièces d’un ensemble riche de plus de 900 œuvres a été retenue pour cette exposition.

 

Que Mecarõ signifie à lui seul « l’esprit de la forêt » en langue amazonienne krahô en dit long sur l’importance et l’aspect indissociable du caractère humain (l’esprit) et de celui de la nature (la forêt) dans l’imaginaire sud-américain : cette personnification de la nature est un trait caractéristique de leur culture.

 

« Territoire réduit », « génocide lent », « catastrophe écologique », « extinction des espèces animales », voici les mots de Nicolas Bourriaud, directeur de l’institution multi-sites appelée MoCo Montpellier Contemporain comprenant le MOCO- Hôtel des collections, espace dédié aux collections privées et publiques. En effet, nul n’ignore la catastrophe écologique que connut l’Amérique du Sud à l’été 2019, cet incendie gigantesque qui ravagea plus de 5 millions de km2 de la forêt amazonienne. Cependant, les œuvres de la cinquantaine d’artistes exposés saisissent au premier regard par leur caractère ludique, révélant un monde plein de couleurs, où la joie de vivre et l’espoir sont les qualités primordiales. Mais cette exubérance cache souvent un sens plus profond et critique.

 

Peintures, sculptures, installations, broderies, photographies, vidéos, la variété des supports, matériaux et techniques témoigne de la fertilité du territoire amazonien, où les artistes puisent leur inspiration.

La première salle est dédiée à une œuvre immersive, sonore et olfactive, réalisée par l’artiste colombien Oswaldo Macía (né en 1960). Toute la pièce, de la moquette au plafond, des bancs aux murs, est jaune. Les fenêtres accueillent des filtres de la même couleur, et la lumière artificielle accentue cette atmosphère chaude et réconfortante. La saturation de l’espace visuel permet une réelle immersion. Disposées sur les murs, des enceintes diffusent des enregistrements réalisés au cœur de la faune et de la flore de l’Amazonie. On s’assoit et on contemple de manière auditive un écosystème dont la diversité fait la richesse. Nous sommes pénétrés par les bruits s’intensifiant d’oiseaux, de cascades, du vent, des insectes, et par les odeurs diffusées dans la pièce. L’œuvre de Macía agit comme un sas de décompression après lequel nous basculons pleinement dans l’univers de l’exposition.

 

Nous traversons ensuite un espace où sculptures, objets, et peintures de l’abstraction géométrique sont réunis, attirés par un brouhaha qui s’intensifie à mesure que nous approchons de la salle suivante. On finit par déceler la présence d’une machine, mais laquelle ?

C’est avec surprise que nous découvrons, accrochés aux murs, des boîtiers reliés à des robots mixeurs autour desquels les artistes du collectif brésilien Chelpa Ferro ont attaché de banals sacs en plastique coloré. Avec ces objets du quotidien, le collectif souhaite faire réfléchir aux possibilités qu’offre la technologie, en mettant en scène ces sacs plastiques, déchets directement issus de notre société de consommation. En portugais, le terme « chelpa ferro » évoque l’argent, ce qui permet de comprendre la critique du matérialisme, de l’hyperconsommation, qui pousse au gaspillage et à la production de déchets en masse. A travers le son produit, les artistes nous rappellent la pollution sonore dont nous sommes victimes. Le titre de l’œuvre, Jungle Jam, peut évoquer un embouteillage (trafic jam) au cœur de la jungle amazonienne… constitué de détritus.

 

Après ce constat, nous pénétrons dans un nouvel espace intitulé Pourriture et renaissance : les mutations urbaines. Ici, les artistes remettent en question la place de l’homme dans la nature. Ils évoquent les gestes positifs que l’homme peut avoir envers elle, notamment par le biais de son ingéniosité, mais citent aussi ses actions néfastes. Un certain optimisme persiste puisque les artistes croient à un retour aux sources, où l’homme comme la nature, retrouverait sa place, sans empiéter sur celle de l’autre.

 

En 2009, le brésilien Tonico Lemos Auad (né en 1968) réalise une sculpture végétale qu’il nomme Vase de raisin. En faisant se rencontrer des branchages morts et des raisins desséchés, l’artiste offre une vie nouvelle à ces éléments naturels, il les assemble et les sublime. Les paillettes qu’il ajoute évoquent peut-être la valeur accordée à l’aspect superficiel dans notre société contemporaine. Toutefois, l’artiste semble dire qu’une renaissance, à partir d’éléments que l’on croyait morts, abîmés, moisis, est possible.

Son titre, « vase », indique qu’il s’agit d’un objet fonctionnel. Or, l’ajourage des branchages annule toute possibilité pour cette sculpture de devenir un contenant comme son titre le laissait présager. En revanche, l’articulation organique de ces tiges de bois nous donne la sensation d’observer un poumon, avec toutes les ramifications des bronchioles. Mais alors, si ce que l’on nomme ici n’est pas ce que l’on voit, alors peut-être avons-nous là une représentation d’une métaphore bien connue de la forêt amazonienne, celle du poumon de la terre qui, petit à petit, laisse sa réputation lui échapper malgré elle.

 

Les sculptures de l’artiste brésilien Paulo Nazareth (né en 1977) s’offrent dans un premier temps au regard par leurs couleurs et l’aspect ludique de leur texture résineuse. Cependant, ces sculptures ne sont pas décoratives mais rendent compte d’une part d’un sentiment d’emprisonnement, d’étouffement, et d’autre part de l’aspect non-biodégradable des éléments abandonnés dans la nature, à travers les deux objets coincés dans chaque bloc de résine. Ces produits, de la marque Kurumy, Guaicurus, P.A.N. ou encore Aunt Jemima, sont des denrées locales d’Amérique du Sud. L’artiste semble vouloir cristalliser jusqu’à ces éléments banals du quotidien, par crainte que ces derniers viennent à disparaître, remplacés par des produits occidentaux. Il fossilise ces produits d’usage courant, comme potentiels vestiges d’une civilisation.

 

Les artistes réunis sous le titre Cosmologie amazonienne, posent la question des rapports entre les hommes et de leur rapport à la nature et au monde. Ils évoquent différentes thématiques comme la colonisation ou l’héritage culturel européen dans l’art brésilien (poterie, bande-dessinée). Ils s’intéressent autant aux rituels des peuples d’Amazonie, qu’aux sujets universels, comme la Terre elle-même.

 

Claudia Andujar (née en 1931 en Suisse) a réalisé plusieurs séries de photographies du peuple d’Indiens Yanomami depuis qu’elle fit leur connaissance en 1971. Garota sendo iniciada (Fille initiée) fait partie de ce travail immersif intense, également mis à l’honneur dans l’exposition que lui consacre actuellement la Fondation Cartier à Paris.

Avec cette photographie, elle nous offre un voyage au cœur de l’intimité de cette communauté occupant les terres du bassin amazonien, entre le Brésil et le Venezuela. Touchée par le territoire et le peuple Yanomami, Andujar n’a cessé de capter leur quotidien, leurs coutumes, leurs rites. Cette image nous saisit par sa frontalité. Le personnage central nous regarde, impassible, la moitié du visage cachée dans une profonde noirceur. Ce contraste entre le clair et l’obscur traduit l’idée du rite de passage. Cette jeune fille laisse sa vie de petite fille dans l’obscurité, quand une nouvelle phase s’ouvre à elle.

 

Cette section se termine avec Library Vine et Library Heliconia de Claudia Jaguaribe (née à Rio de Janeiro en 1955). Pour cette série sur les bibliothèques, l’artiste s’est rendue dans différentes forêts du Brésil qu’elle a photographiées et imprimées sur les couvertures de livres. Nature et culture ne font plus qu’un. Très sensible à la notion de préservation, Jaguaribe explique sa démarche en disant que chaque livre semble contenir les informations sur la forêt qu’il illustre. Si cette bibliothèque se propose comme étant la nôtre, alors il est de notre devoir d’en prendre soin.

 

Le dernier espace de l’exposition, Féminisme tropical, propose une sélection d’artistes questionnant l’identité féminine, ainsi que la place de la femme dans la société amazonienne.

Teresa Margolles (née au Mexique en 1963) présente une série de quatre impressions chromogéniques numériques. Chacune représente une femme portant sur son dos une pierre. Nombreux sont les hommes, et depuis peu les femmes, qui traversent la frontière entre la Colombie et le Venezuela, transportant de lourdes charges sur le dos, tenues par une sangle en tissu au niveau de leur front. L’artiste a demandé à ces passeuses vénézuéliennes de porter une pierre d’un poids équivalent au leur, pendant 3 minutes. Nous nous retrouvons ainsi face à des visages où concentration, résistance et dignité se confondent et ressentons les crispations de ces femmes pour supporter de tels poids. Elles ont toutes la même attitude : photographiées devant les montagnes vénézuéliennes, elles nous regardent, comme si elles souhaitaient aller de l’avant, mais qu’elles ne le pouvaient pas. En ajoutant à ces photographies la dimension physique de la pierre, déposée au sol, l’artiste nous inclut dans l’action et nous permet d’en éprouver toute la gravité. Margolles utilise ici le fardeau de la pierre comme métaphore de la crise politique, économique et humanitaire dont le Venezuela souffre depuis 2015.

 

Tania Candiani (née à Mexico en 1974), réalise une vidéo HD qu’elle complète avec dix broderies. L’artiste s’intéresse aux moyens de communiquer. Que ce soit par les mots, par des sons, par des dessins, des symboles ou encore à l’aide de la technologie. La vidéo montre en boucle un jet d’eau dont la pression lui permet de s’élever, quand sa coupure soudaine force l’eau à se fracasser sur le sol. Candiani ajoute à cela un enregistrement de 18 voix récitant 34 mots signifiant « eau », mais chacun dans une langue amazonienne différente.

La brutalité avec laquelle le jet d’eau s’interrompt n’est pas sans évoquer celle des broderies disposées à droite de l’écran. En effet, sur celles-ci est écrit le mot « eau » en plusieurs langues ayant presque toutes disparues du bassin amazonien. Son travail est une alerte sur la perte d’eau, que ce soit à cause de l’industrialisation du territoire ou de la construction de barrages. Chaque jour, l’eau devient de plus en plus précieuse et de plus en plus rare. Lorsque l’eau disparaît d’un territoire, des communautés disparaissent avec elle, et leurs langues s’éteignent. C’est toute une identité qui s’évanouit.

 

Ces artistes témoignent de la profonde influence que le bassin amazonien, qui s’étend sur neuf pays, a sur leur travail, sur leurs recherches. Leurs œuvres sont le reflet de leurs questionnements sur l’avenir de leur environnement, en même temps qu’elles sont un hommage à leur passé et une célébration du présent. Ils nous font voyager à travers les coutumes, les mutations, les paysages, les activités du quotidien qui constituent leur identité. Ils nous entraînent dans une méditation profonde, et nous invitent à reconsidérer notre point de vue sur leur culture, mais aussi notre rapport au monde, à la faune, à la flore, et notre place dans la société.

En nous proposant des manières de cohabiter en harmonie avec la nature, ils font de leur discours un discours universel.

 

 

Artistes :

Claudia Andujar, Tonico Lemos Auad, Brígida Baltar, Alberto Baraya, Milena Bonilla, Vivian Caccuri, Sol Calero, Patricia Camet, Tania Candiani, Carolina Caycedo, Lygia Clark, Donna Conlon, Alexandre da Cunha, José Damasceno, Elena Damiani, Tatiana Echeverri Fernandez, Chelpa Ferro, Sandra Gamarra, Ximena Garrido-Lecca, Gego, Anna Bella Geiger, Sonia Gomes, Beatriz Gonzáles, Claudia Jaguaribe, Lucia Laguna, Oswaldo Maciá, Teresa Margolles, Beatriz Milhazes, Paulo Nazareth, Maria Nepomuceno, Ernesto Neto, Rivane Neuenschwander, Lucia Nogueira, Hélio Oiticica, OPAVIVARÁ!, Nohemí Pérez, Solange Pessoa, Lucia Pizzani, Manuela Ribadeneira, Ivan Serpa, Valeska Soares, Clarissa Tossin, Armando Andrade Tudela, Erika Verzutti, Danh Vo et Luiz Zerbini.

 

MO.CO. Hôtel des Collections

13 rue de la République, Montpellier

Mecarõ. L’Amazonie dans la collection Petitgas

https://www.moco.art/fr/hotel-des-collections

Jusqu’au 20 septembre 2020